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Il y a là, une bien belle brochette d’acteurs, qui sur le mode de la réalisation n’ont semble-t-il pas beaucoup d’effort à faire pour maintenir le tempo : Gary Oldman, Colin Firth , John Hurt , Toby Jones

L’un d’eux est le traître, et entre Londres, Istanbul, et Moscou, il nous faudra le débusquer. Personnellement, je n’ai pas participé à cette entreprise, trop absorbé par la densité  d’une intrigue, encore … plus énigmatique, que tous les mystères à ce jour non élucidés.
Une scène mémorable, dès l’ouverture, nous ramène inlassablement à ce nœud gordien. Sans être centrale ou capitale, elle renferme peut-être la clé du mystère. Une scène,  essentielle. Je vous la laisse regarder. Je vous la laisser deviner. Après quoi ne cherchez pas à comprendre, c’est trop beau …

Pour le situer, il appartiendrait à la grande classe des films noirs, contemporains, auréolé d’un mystère confus, qui ne révèle absolument rien du héros. Jusqu’à l’ultime seconde, « the driver » demeure une énigme.

Habile conducteur, solitaire, il met ses talents, le jour,  au service de la cascade, la nuit, des malfrats, et puis basta. Froid, méthodique, impersonnel, tout ce qu’il exécute, il le fait tel un robot.  Jusqu’au jour où le regard de sa voisine et de son petit garçon  va bouleverser son bel ordonnancement.

Il n’est plus seul, et l’émotion qui le fuyait jusqu’alors balaie cette relation platonique qui s’engage  jusqu’au retour du mari incarcéré.

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On peut dès lors tout imaginer, mais pas forcément ce que filme Nicolas Winding Refn, avec un sens de la machination d’autant plus convaincant, qu’il n’a rien de machiavélique. C’est une troisième voie dans laquelle le héros va perdre sa placidité légendaire pour laisser libre cours à une violence qui lui semble elle aussi toute naturelle.

On croit alors le démasquer, entrevoir un passé sulfureux dans les commandos militaires ou homme de main mafieux ; mais une fois la besogne accomplie, l’intéressé retrouve son sang-froid, et tout son mystère.James Sallis, l’auteur du livre dont s’inspire le film, a su dessiner le portrait d’un homme hors norme, et paradoxalement si banal dans l’accomplissement de ses tâches quotidiennes.

Ryan Gosling et Oscar Isaac , le mari sorti de prison ....

La mise en scène joue bien évidemment sur cet antagonisme pour donner au suspense un espace inhabituel ; dans les moindres détails, sur des scènes plus conventionnelles, les rebondissements se faufilent au fil d’un récit parfaitement huilé, et une direction d’acteurs au cordeau (Ron Perlman, Bryan Cranston , Albert Brooks ,magnifiques !). Si les ressorts du film de gangsters  tendent ici toutes nos attentes, la prestation de Ryan Gosling, en driver impénitent, lui confère le statut de film noir, pour sa sécheresse et les rêves qu’il colporte.

L’eau et le feu, encore, combinés à une arnaque à la petite semaine, qui capote ; un dérapage pour un chauffeur qui n’aurait pas du lever le pied. Sa belle mécanique s’est emballée. Et nous avec ….

Les suppléments

• Making of, 15 mn

En fait, au milieu de quelques séquences de tournage, dont on voit peu de choses,ce sont les caractères des personnages qui sont passés en revue, par les comédiens. Rien de bien passionnant, tout le monde il est beau …

• Entretien avec le réalisateur 26 mn-

Après cinq minutes d’explication sur sa crise existentielle, il parle enfin de son film, mais toujours en nous racontant ses petits problèmes ,ce qui n’a rien d’excitant. Une fois dans le vif du sujet, on parle gros sous ( merci le festival de Cannes ) ou petits sous .  » Avec un tel budget , nous tournions de façons hitchockienne, c’est à dire , sans possibilité de revenir sur le montage ».

La façon de mener le casting, est beaucoup plus intéressante, face aux producteurs hollywoodiens qui  » vous mettent sous le nez leur liste d’acteurs ».Nicolas Winding Refn , tiendra bon, sur des choix réalisé après casting, même pour un vieux de la vielle comme Albert Brooks. Ou Carey Mulligan , contactée pour rendre service au producteur Marc Platt , harcelé par son agent.  » Marc m’a soutenu depuis le début, et j’ai bien voulu accepter ce qu’il me demandait. Et dix secondes après avoir suivi Carey, je l’ai engagée ».

Il lui faudra donc réécrire le rôle, comme d’autres , qui entre le roman et le grand écran, ne convenaient pas forcément. Refn s’en explique , comme il évoque la fameuse scène du baiser dans l’ascenseur…

]]> http://www.lheuredelasortie.com/critique-dvd-drive/feed/ 1 http://www.lheuredelasortie.com/critique-dvd-we-need-to-talk-about-kevin/ http://www.lheuredelasortie.com/critique-dvd-we-need-to-talk-about-kevin/#comments Thu, 02 Feb 2012 07:59:27 +0000 Loïck Gicquel http://www.lheuredelasortie.com/?p=28761 Un sujet peu coutumier du grand écran, une réalisation tout aussi surprenante. Pour dire le désamour, l’instinct maternel qui s’effrite ,au point de la rupture, et du drame . Lynne Ramsay raconte son histoire ,en un incessant va et vient ,entre hier et aujourd’hui, sans user un instant ,du conventionnel flash-back. Ca coule de source, c’est une histoire intemporelle et la vista de la cinéaste, est d’une magnifique complicité.

Eva et Kevin, la mère et le fils, sont en bisbille, quasiment dès les premiers pas du bambin. Une tension de tous les instants, et des silences, qui pèsent des tonnes. Elle cherche à comprendre, et lui, la fuit, la provoque, l’ignore.

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C’est un bout d’chou qui fait déjà grand. Son père (John C. Reilly ) est maladroit, très copain, trop copain.  Quand la petite soeur débarque, ça n’arrange pas l’ambiance dans la famille qui peu à peu se délite.

J’arrête là, pour la psychologie, le cinéma de Lynne Ramsay s’en charge, très bien. A la limite, on ne raconte pas. On se laisse prendre. A cette musique, très présente, elle-aussi, actrice à part entière, comme dans cette scène magnifique , où la mère, rentre la nuit d’Halloween, bouleversée, toujours en quête de ses « pourquoi ». «  Every day » l’accompagne, contraste saisissant, fabuleux, cauchemardesque.

A cet instant, on ne sait pas encore ce qui s’est réellement passé dans la vie d’Eva, que l’incroyable Tilda Swinton , porte à bout de bras,à tout cœur. Par bribes, des échos du passé, des images enfouies, ressurgissent pour construire son existence, déjà laminée, et qui maintenant s’expose au grand jour de notre curiosité.

La caméra de Ramsay demeure pourtant  bien discrète dans ce grand déballage des sentiments, et les jeunes comédiens qui tour à tour, interprètent Kevin, eux aussi extraordinaires, font preuve de la même retenue. On s’y attache, et le talent de Ezra Miller, y est certainement pour quelque chose.

Il se mêle à cette symphonie désordonnée, orchestrée par le roman noir de la vie, et ses aléas. Implacable constat d’un réalisme troublant. On en ressort forcément secoué. L’enfance est-elle si cruelle ?

• Rencontre avec l’équipe

La réalisatrice raconte son film, le choix de ses acteurs, qui tour à tour prennent la parole, dont souvent Tilda Swinton : « Ce film, c’est le pire cauchemar d’une femme ayant songé avoir un enfant, avoir de l’aversion pour lui, ça tient du film d’horreur. (…). De toute façon j’aurais été attirée par ce scénario, un thème jamais traité ; il est tabou de montrer que l’instinct maternel ne fonctionne pas ».

Pour John C. Reilly , « le film va plus loin que le bouquin, il fouille au plus profond de l’intimité d’une mère qui vit ça. C’est une méditation sur la parentalité,  un film à la fois visuel et impressionniste ».

]]> http://www.lheuredelasortie.com/critique-dvd-we-need-to-talk-about-kevin/feed/ 0 http://www.lheuredelasortie.com/critique-cinema-the-descendants/ http://www.lheuredelasortie.com/critique-cinema-the-descendants/#comments Sun, 29 Jan 2012 11:16:05 +0000 Loïck Gicquel http://www.lheuredelasortie.com/?p=28670 S’il faut se positionner entre Jean Dujardin et George Clooney, en route pour les Oscars, je ne pense pas que l’acteur américain tienne la route. Sa prestation ici, en père de famille désemparé, est de très bonne facture, mais de là à le couronner me semble illusoire.

Ce qui est intéressant chez Clooney, c’est de le voir dans cette  composition très touchante, un brin évaporée, un rien dans la marge, en mari négligent et papa tête en l’air. Ce profil s’applique d’ailleurs à tous les autres personnages : on les croit sur le droit chemin et les voici qui déraillent, qui dévient un tout petit peu de leur trajectoire. Certains mêmes apparaissent tels des Ovni : le petit copain de la fille de Clooney  Nick Krause, est une véritable tête à claques. Rien de  bien méchant dans tout ça, mais ç’est déjà  le piment de cette romance, elle-même en perpétuelle décalage.

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La famille de Matt King souhaite  vendre à un gars du coin, les terres familiales, héritées de leurs ancêtres hawaiiens. Mais Matt, avocat et curateur du dossier, à d’autres acquéreurs et surtout d’autres soucis en tête : victime d’un accident de hors-bord, son épouse est dans le coma. Là-dessus il lui faut gérer ses deux filles, pas faciles du tout et, prendre pleine face, quelques révélations privées, qui pourraient avoir une incidence sur la vente des terres.

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Qu’ai-je appris de cette nouvelle version cinématographique,  remake, d’un remake déjà peu adapté à la  complexité des caractères ?David Fincher, laborieux dans sa mise en place n’a d’yeux que pour la belle Rooney Mara , dont le personnage et l’histoire, il est vrai,  focalisent le récit. Un profil hors du commun, parfaitement ciblé par la   caméra qui en devient négligente,  quand elle s’attèle  aux basques du  journaliste humilié, puis  frigorifié. Et le malheur, c’est que les deux héros doivent un      jour se rencontrer. Le film se perd alors dans le labyrinthe d’une enquête à priori impossible à résoudre, mais que Fincher nous livre sur un plateau.

L’intrigue n’a plus  grand intérêt et le conflit familial qui remonte à la nuit des temps se  dilue dans un scénario qui reprend à la lettre le fil du bouquin. Je pensais que la mise en scène aurait permis de mieux cerner tous ces  portraits accrochés par un romancier à l’imagination prolixe.Mais sur l’écran, elle se tarit au fur et à mesure que les protagonistes tombent  le masque. L’ensemble devient sympathique, et s’étire pendant plus de deux heures.Lisbeth , heureusement passe de temps en temps nous faire un  petit coucou. Ca décoiffe !

 «  Tu seras mon fils » sort prochainement  en dvd, alors que vingt-cinq  ans plus tôt,  Alain Jessua, montrait déjà la voie du bordeaux pas très net. Nous sommes en 1987, mais la date ne change pas grand-chose à la teneur des propos tenus dans cette belle propriété bordelaise. Le film a en effet tenu toutes ces années pour affirmer le genre d’un cinéma qui sur des bases psychologiques très fortes, élabore un récit où le suspense joue sur des registres multiples, bien éloignés du film policier classique.

Privé de parole, il sort le carton jaune ...

Le scénario qui n’en rajoute pas, mais qui use de tous les ressorts de sa dramaturgie, participe amplement au bonheur de cette réalisation.Un architecte de renom surprend sa bru dans les bras de l’un de ses collaborateurs. Victime d’un accident, peu après, il perd l’usage de la parole. La police s’étonne des circonstances de la collision, la médecine ne comprend pas l’aphasie soudaine de son patient.

Un jeu de dupes s’engage alors entre le beau-père et la jeune femme, complices d’un même secret .L’infidélité de la dame devient l’enjeu d’un chassé croisé malicieusement orchestré par un réalisateur qui sans en faire des tonnes, lui non plus, réussit à nous alerter quasiment à chaque scène. D’un échange silencieux, pesant entre les deux compères, d’un jugement sentencieux porté par un regard sans équivoque, l’histoire prend le pouls de cette famille si honorable.

Insidieusement ,les non dits, les sous entendus émiettent le récit. Alain Jessua les laisse filer librement en posant ici et là  quelques énigmes ; un fauteuil roulant se détraque, un revolver disparaît , le comportement étrange de la  bru…

Il y répond allusivement ,avec élégance et  distinction, à l’image d’un  Michel Serrault, heureux complice de ce climat délicieusement suspicieux.La musique de Michel Portal  égrénée par Martial Solal accompagne cette  ambiance   où vient se perdre Germaine qui trouve en  Suzanne Flon  une confidente extraordinaire et  servile.Nathalie Baye , est tout aussi remarquable dans son rôle de belle fille  plus inquiétante qu’une tueuse en série. Sourire enjôleur ou carnassier. A  en devenir machiavélique …

« Un prisonnier dont nul ne sait le nom, dont nul n’a vu le front, un mystère vivant, ombre, énigme, problème. » écrira plus tard Victor Hugo

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 Le ton est donné dès la première bataille contre les espagnols que le réalisateur nous fait entendre à travers la préparation des mousquetaires empêtrés dans leur nouveau costume. Quasiment du grand guignol. Après quoi les quiproquos s’enchaînent sur un sujet qui s’y prête bien il est vrai.

" Le masque de fer" selon Decoin

Le roi couche-t-il avec sa favorite ou bien son frère est-il en train de diriger le royaume ? Le genre de situation qui tient le film en haleine, mais sans réel suspense, le détachement humoristique de l’ensemble prenant le pas sur la vérité historique, même si celle-ci, est très présente dans la version Decoin.

Comme à l’époque on sur joue cette dramaturgie, avec une réalisation très théâtrale, le film prend aujourd’hui les allures d’un gentil divertissement, dont on retiendra quelques bribes d’une épopée royale assez extraordinaire.
A ce titre  les préparatifs de l’enlèvement du roi  projeté par un quarteron de seigneurs méritent une attention particulière me semble-t-il. On y débat en effet des vertus d’une hypothétique République. La petite assemblée se gausse alors, n’imaginant pas qu’un jour la France puisse se séparer de son roi : «  les français ont besoin de quelqu’un à aimer ou à détester » argumente l’un des comploteurs. Parce qu’en République ce n’est pas la même chose ?

LES SUPPLEMENTS

Jean Marais, évidemment

• -« D’Artagnan amoureux ! » (41 min)

Documentaire de Dominique Maillet, avec les témoignages de Didier Decoin, Yvan Chiffre, Jean-Christian Petitfils et Jean-Claude Missiaen.

Didier Decoin, l’écrivain, mais aussi le fils du réalisateur donne un éclairage intéressant sur les conditions de tournage de ce film, «  de fin de carrière. Mon père était malade, et il y a une grande part d’autobiographie dans le profil qu’il donne à D’Artagnan, qui n’a plus la fougue de ses vingt ans .»
Jean Marais ,lui ,se porte comme un charme, laissant peu de liberté aux cascadeurs. «  Il regardait comment ils faisaient et puis après exécutait seul les cascades. »
«  Il était doué pour l’action » précise l’un d’eux «  très sûr dans ces geste, et quand on l’affrontait, on ne craignait rien ».
Le réalisateur Jean-Claude Missiaen aborde le thème de l’humour dans ce film «  précédé par d’autres exemples de film de cape et d’épée, où l’humour est omniprésent ». Et l’amour aussi, ce qui laisse quelques commentateurs éberlués : «  tout le monde connaissait l’homosexualité de Jean Marais, qui pourtant a serré dans ses bras et embrassé les plus belles femmes du monde ».

• - « La véritable histoire du Masque de fer » (23 min)

Par l’historien Jean-Christian Petitfils.

Ce monsieur est passionnant à écouter.De nombreuses hypothèses ont marqué cette page d’histoire dont  la version des frères jumeaux mis au monde par la Reine de France, Anne d’Autriche. Ce que nous raconte Petitfils a peut-être moins de panache pour la légende, mais semble plus certain pour l’Histoire de France.

• - « Mon père, ce héros » (24 min).

Didier Decoin dresse le portrait d’un autodidacte, complètement absorbé, dès son plus jeune âge, par le cinéma. «  Il l’aimait sans arrière pensée, et si quelqu’un parlait de lui, il ne voulais rien savoir, se contentant de dire que cette personne était un réalisateur formidable ». Une discussion au sujet d’un article de Claude Chabrol.
Tout le cursus du réalisateur est passé en revue, à travers ses méthodes de travail, la façon d’écrire des scénarios (hallucinant !) ou bien son refus d’utiliser les zooms. «  Il aimait le cinéma qui bouge ».

Prix public conseillé : 19,99 € ttc

Le ton est évidemment bien différent.Le réalisateur de «The doors » demeure  dans la sphère réduite du studio, d’où ne s’échappent que par intermittence quelques flash-back et apartés.Le registre est celui de l’enfermement et de la paranoïa galopante, d’un individu qui maltraite son public, qui le lui rend bien.

Et qui en redemande , de cette joute verbale qui vire souvent au pugilat , tempo punching ball, et rythme effréné parfait pour un  Oliver Stone alors en quête d’une reconnaissance définitive. Il s’apprêtait à tourner «  Né un 4 Juillet ».

Sa mise en scène nerveuse et attentive au moindre fait et geste, nous donne plusieurs séquences d’anthologie dont l’annonce d’un prochain viol en direct. On parle aussi de la dépénalisation de l’héroïne, de l’Holocauste et des juifs en général, dont fait partie Champlain.

C’est  l’Amérique qui se profile dans ces psychodrames où la haine,la colère,l’humiliation se déversent dans le trop plein de l’animateur que joue à la perfection Eric Bogosian , aujourd’hui disparu de nos écrans.

Passionné, enragé (la scène où il pète les plombs est hallucinante), dépité, amoureux, Barry Champlain est un fabuleux personnage que la caméra de Stone scrute sous tous les angles, avec cette particularité d’un double regard. Celui des auditeurs dont on n’entend que la voix, et qui n’ont pas accès à l’intimité du studio où d’autres personnes observent le manège de l’animateur : son patron, sa productrice et amante, son technicien, son ex femme qui débarque le temps d’un aller retour entre deux souvenirs. D’une pièce voisine elle  lui fera une merveilleuse déclaration d’amour. Comme un coin de ciel bleu dans la nuit américaine.

      Rencontre avec Oliver Stone (27 mn)

Ce qui ressort de cet entretien, c’est la satisfaction plusieurs fois manifestée, du réalisateur, qui explique bien pourquoi et comment ce film lui donne encore aujourd’hui du bonheur. On le comprend.

«  C’est un film que j’ai d’autant plus soigné que c’était quelque chose de monomaniaque » . «  Talk Radio » a été  imaginé d’après un monologue écrit et interprété par  Bogosian, à Broadway, «  auquel j’ai mélangé la biographie d’Alan Berg «  Talked to death », un animateur radio assassiné par un groupe d’extrême droite. J’ai eu l’idée du film quand les radios libres débarquaient .Les auditeurs s’exprimaient pour la première fois, c’était nouveau pour moi, et donc une bonne idée de film à condition de bien mixer la pièce de théâtre et la biographie de Berg ».

Oliver Stone n’est pas avare sur sa technique de travail qu’il détaille à travers  les mouvements de caméra, l’absence de profondeur de champ, le début de la Steadycam, le traitement audio, « très important pour un film où l’on entend beaucoup les voix, sans voire les visage… »

C’est le lot du quotidien de notre héros Renato Vallanzasca, un personnage qui vit encore aujourd’hui au fin fond d’une prison. Ses mémoires ont inspiré le réalisateur patenté en la matière, Michele Placido , déjà auteur de l’excellent «  Romanzo Criminale ». Un film de gangster sur «  les années de plomb » dont l’esprit est ici curieusement absent. Version française mise à part, Placido est devenu très académique.

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Les faits et méfaits de Vallanzasca ont pourtant de quoi nourrir des images et des dialogues à n’en plus finir. Ce que fait notre réalisateur, pendant plus de deux heures,  mais de manière si formelle que les comédiens  ne savent pas sur quel pied avancer.

Les dialogues sonnent faux, les scènes sont convenues ; les confrontations qui se voudraient tendues, voire dangereuses tombent à plat. Je pense à la relation qu’entretient le héros avec un autre caïd de la place. Et à la gestion calamiteuse de Vallanzasca face à son frère, héroïnomane  de première, qui lui vaudra bien des ennuis.

La dramaturgie est forte, mais la mise en scène ne suit pas ; Placido contemple plus qu’il n’agit. Et quand l’action donne le ton, Kim Rossi Stuart, dans le rôle titre à l’air d’une marionnette d’opérette. Le ralenti, utilisé à contre-emploi, plombe l’édifice.

Au bout du compte le juste portrait de celui que l’on appelait «  L’ange du mal » demeure incertain, noyé dans une succession de méfaits que le réalisateur égrène sans conviction. Il lui faut du temps pour tout mettre en ordre et trouver la bonne dynamique , l’expression vraie d’un personnage qui avait certainement plus à dire que ce que le film veut bien nous faire voir et entendre.

LES SUPPLEMENTS

• Le making of

Tout le monde s’y exprime, notamment sur la rencontre avec le vrai gangster. On le trouve alors sensible et très gentil, «  et il ne fallait pas que je me laisse influencer par le personnage alors, qu’il venait de passer 40 ans en prison. Il en a presque 70 aujourd’hui et ce n’est plus le même homme » prévient le réalisateur, laissant tout loisir à son acteur de poursuivre ses entretiens avec le prisonnier. S’en dégage le portrait d’un homme adulé par toute une population et notamment par les femmes.

•  Les scènes coupées

Elles sont intéressantes à voir, surtout la dernière, quand notre héros raccompagne sa conquête auprès de sa mère. Ceci dit elles n’apportent rien de plus au film. Coupées à juste titre, donc.

•  Entretien avec Kim Rossi Stuart

De «Romanzo criminale » à «  L’ange du mal », le comédien ne peut s’empêcher d’établir des comparaisons sur les deux personnages qu’il interprétait, sous les ordre du même metteur en scène. Ou l’histoire de l’Italie, à travers ses bandits «  à cette époque à Milan c’était quasiment le western ». Le comédien évoque aussi la bronca contre ce film qui «  soi-disant faisait la part trop belle à Vallanzasca ». Des policiers distribuaient des tracts devant les salles de cinéma. Le film a été largement boycotté.

Après quoi Stuart parle de son premier film en tant que réalisateur (l’excellent «Libero », tourné en 2006)  de ses rapports avec le metteur en scène, de sa culture cinématographique…

La femme a maintenant disparu, mystérieusement, et l’enquête n’aboutissant pas, le mari, que l’on soupçonnera bien sûr, un temps, décide de quitter définitivement la capitale. Direction, la Bretagne et sa ville natale où vit toujours son frère aîné (Antoine Duléry  dans un très beau rôle). Les retrouvailles sont chaleureuses, mais l’absence de l’aimée et quelques souvenirs douloureux, enfouis jusqu’alors, hantent la maison familiale, où s’installent Paul et ses deux enfants.

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Autour de ce trio qui sonne juste ( le jeune garçon  Hugo Fernandes est parfait ), le cinéaste imagine une histoire sensible, et généreuse, adaptée du roman éponyme de Olivier Adam . A  la perte d’un être cher, et au  déracinement , le désespoir s’amenuise peu à peu, et la vie refait surface. « Elle va revenir maman » dit la petite Cassiopée Mayance   avec un naturel désarmant qui évite le pathos ou les pleurnicheries de circonstance.

Ces écueils Lespert les évite tout au long de son récit en laissant le temps prendre ses marques. Au fur et à mesure du récit, le spectateur s’installe dans le quotidien de cette famille décomposée ; il vit désormais avec elle. Personnellement ça m’a beaucoup touché.

A la clairvoyance du réalisateur, répond la grâce de Benoît Magimel , qui n’avait à ce jour jamais  exprimé son talent avec une telle disponibilité. Il a le rôle principal, c’est une évidence, mais sans en abuser, le voici totalement maître de son sujet. Un plaisir de comédien doublé d’une interprétation intelligente. Totalement en phase avec l’histoire de ce film où l’on vit comme dans la vraie vie. Un peu trop peut-être.

Quand il s’y frotte vraiment (parents d’élèves, relations professionnelles, faits divers …), le scénario flanche. Le réalisme poussé à l’extrême écarte la spontanéité des premiers ébats. L’enquête policière reprend le dessus, avec comme flic de service une comédienne qui jusqu’à ce jour effectuait à mes yeux un parcours sans faute. Isabelle Carré est cette fois hors sujet. Plus que des vents contraires, à contre-courant ….

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