Par bonheur, nos primates ont couché sur un scénario peau de chagrin , une histoire à remonter le temps, peut-être celle par laquelle  il aurait fallu commencer.Le singe vit dans la forêt et si des scientifiques s’avisent de l’en déloger, ce sera avec pertes et fracas.Dans son arbre, tôt ou tard , il retournera.C’est inscrit dans ses gênes et dans le regard du pauvre César, qui après avoir senti, un court instant le parfum du séquoia et fait les frais de quelques malheureuses expériences chimiques, décide d’envoyer tout promener.

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C’est cet aspect là, et seulement celui-là qui m’a intéressé, sans vraiment me passionner.D’ailleurs il me semble que le réalisateur Rupert Wyatt  , prend réellement les commandes de son film, à cet instant : les scènes de confinement des sagouins portent une véritable charge émotionnelle, il est vrai relayée par le responsable de l’ hébergement, un sacré lascar.Le rôle tenu par Tom Felton , est un rien prévisible et le comédien en fait  des tonnes pour nous faire comprendre que c’est lui le méchant, très méchant et qu’il faudra bien payer un jour.Mais son entourage est tellement composé de personnages fadasses ( plus niais que le couple James Franco -Freida Pinto, tu meurs ) que je ne l’ai pas lâché d’une semelle.

Franco et Pinto, ils sont mignons, mais c'est tout

Celle dont il use pour mâter ses pensionnaires , qui ne perdent rien pour attendre.Et le spectateur non plus, car le final tant annoncé dégringole en un déluge de catastrophes,plus fortes les unes que les autres.On les a déjà vues cent mille fois au cinéma.Mais , imaginez des singes grenouillant sur le pont de San Fransisco avec des policiers armés jusqu’aux dents…Après une heure trente de tergiversations calamiteuses sur les bienfaits du « A112 » ,censé guérir la maladie d’Alzheimer,enfin du spectacle.Ce n’est pas forcément celui qui au cinéma me fait rêver, mais réduit à la portion congrue, on se contente de quelques miettes.

LES BONUS

• Scènes inédites

Il y en a deux, dont celle où César s’apprête à faire basculer l’hélicoptère. Une partie de cette scène est en animation studio.

•  La mythologie de la saga

A partir de quelques courts extraits sur les autres films de la saga, on en vient bien sûr aux origines, «qui montrent vraiment comment les germes des mondes à venir ont été plantés ». Sur le travail de recherches, on découvre que de nombreux primates sont élevés chez des particuliers, et que les singes se révoltent souvent …

Le thème de l’arrogance humaine est ici explicité à travers quelques scènes de tournage et du personnage de César, complétées par les allusions aux autres films .« Mais attention si on les exagère, ça devient ridicule »

 A la fois scénariste et productrice Amanda Silver, parle de la présence de Andy Serkis, dans le rôle de César. C’est effectivement la bonne nouvelle de ce film, que confirme le producteur Dylan Clark. On assiste alors à plusieurs scènes de tournage avec le comédien dans son habit électronique. Il explique sa manière d’interpréter le rôle. Instructif.

Un chapitre est même consacré aux horreurs de la guerre, à ses conséquences psychologiques, à travers le témoignage de soldats souffrant de traumatismes. «  Avant j’avais toujours envie de m’amuser, et maintenant plus rien… » marmonne l’un d’entre eux. On assiste aussi à une séance d’hypnose où le patient revit le pilonnage de sa base par les japonais. Censuré jusqu’en 1980, « Que la lumière soit » est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs films jamais réalisés sur les dégâts collatéraux d’un tel conflit.

Au-delà des faits plus ou moins connus, des images imprimés dans de nombreux reportages,  ce coffret  nous rappelle certains événements à peine traités dans les livres d’Histoire, et qui pourtant auront un impact indéniable . Je pense par exemple à l’offensive italienne en Ethiopie, que  Haile Selassie I., alors à la tête de l’Empire  tentera d’endiguer lors d’un fameux discours prémonitoire. Il dira aux européens amorphes que leur indifférence leur coûtera très cher. Hitler et Mussolini vont peut après devenir des alliés…

Un  livret d’accompagnement « Hollywood s’en va-t-en guerre » de l’historien Frédéric Laurent, permet de comprendre le contexte de création de ces films, qui sont chaque fois, d’étonnants documents historiques, avec des images d’archives remarquables, des films d’actualité étonnants. On atteint peut-être des sommets avec l’utilisation des propres films de l’ennemi pour montrer la menace que leur désir de suprématie fait peser sur la liberté. C’est Capra qui à l’idée de « faire écouter à nos gars les nazis et les Japonais hurler leurs prétentions à être une race de seigneurs – et nos combattants sauront pourquoi ils sont en uniforme. »

Et si l’on se demande encore quel fut le véritable apport de ces cinéastes dans le dispositif américain, il suffit de se pencher sur l’attaque de Pearl Harbour vue par John Ford. Un documentaire reconstitué, engagé, réaliste, et tourné comme une fiction . Saisissant.

LES SIX DVD

DVD 1 – Les nazis prennent le pouvoir.De Frank Capra et Anatole Litvak

• Pourquoi combattons-nous ? 1942 – 52 min

Oscar^® du meilleur documentaire en 1943.L’objectif est de décrire et d’expliquer les événements qui ont poussé les États-Unis à entrer en guerre.

• Les nazis attaquent. 1943 – 41 min

La stratégie allemande pour conquérir l’espace vital hitlérien. Il met en évidence toutes les bassesses orchestrées par Hitler pour étendre petit à petit son empire, malgré les pactes de non-agression signés avec la plupart des pays européens.

DVD 2 – L’EUROPE EN GUERRE.De Frank Capra et Anatole Litvak

• Diviser pour régner. – 1943 – 57 min

Ne désirant pas s’engager sur deux fronts à la fois, Hitler s’est concentré jusqu’alors sur le front de l’Est en réfutant toute hostilité envers la France et la Grande-Bretagne…

• La bataille d’Angleterre.1943 – 53 min

 À plus de 8 000 mètres au-dessus de la Manche, les chasseurs de la Royal Air Force vont livrer une bataille sans concession pour stopper les bombardiers de la Luftwaffe.

DVD 3 – LA GUERRE DEVIENT MONDIALE.De Frank Capra et Anatole Litvak

•  La bataille de Chine. – 1941 – 63 min

En envahissant la Chine, le Japon espère ensuite conquérir l’Asie toute entière.

• La bataille de Russie.1942 – 82 min

Ce film qui présente aux américains leurs nouveaux alliés soviétiques décrit aussi les batailles de Leningrad et de Stalingrad

• Les Etats-Unis entrent en guerre. 1945 – 66 min

DVD 4 – LA BATAILLE DU PACIFIQUE

• Pearl Harbour.De John Ford – 1943 – 33 min

Jugée trop « compatissante » envers les japonais, et coupée au montage par l’État-Major américain, cette reconstitution hautement réaliste reçut néanmoins l’Oscar^® du meilleur documentaire en 1943.

• Les Aléoutiennes.De John Huston – 1943 – 43 min

Sur les Îles Aléoutiennes l’aviation américaine effectue des raids contre le Japon.

• La bataille de Midway.De John Ford – 1942 – 18 min

Oscar^® du meilleur documentaire en 1943.Lors d’un bombardement, John Ford fut blessé au bras .

• Sachez reconnaître votre ennemi : le Japon.De Frank Capra et Joris Ivens – 1945 – 62 min

DVD 5 – LE FRONT EUROPÉEN

• Le Memphis Belle, l’histoire d’une forteresse volante.De William Wyler – 1944 – 38 min

La dernière mission de bombardements sur l’Allemagne du « Memphis Belle » et de ses vétérans. Un des opérateurs de Wyler fut tué lors du tournage.

• Thunderbolt

De William Wyler et John Sturges – 1947 – 40 min

Les activités du 57^e groupe de chasse de l’U.S. Air Force chargé de pilonner les lignes allemandes et d’ouvrir la route de Rome aux troupes alliées.

• La bataille de San Pietro

De John Huston – 1945 – 31 min

Fin 1943, l’avancée triomphale des troupes américaines sur Rome. Filmant des combats d’une rare violence, il réalisa l’un des plus bouleversants témoignages sur les horreurs de la guerre.

DVD 6 – L’ÉPILOGUE DE LA GUERRE

• Que la lumière soit.De John Huston – 1946 – 56 min

Bouleversant témoignage sur les horreurs de la guerre censuré jusqu’en 1980

• Les camps de concentration nazis.De George Stevens – 1945 – 57 min

• Le procès de Nuremberg.1946 – 69 min

Le 20 novembre 1945 s’ouvrait à Nuremberg le plus grand procès de l’Histoire, celui des chefs militaires et dignitaires nazis. Tous sont accusés de crimes de guerre ou crimes contre l’humanité.

Car cette fois on a visiblement les moyens et surtout on va le faire savoir. D’entrée de jeu, la scène de déraillement, énorme, qui n’en finit pas, pose logiquement les bases d’une histoire qui autour du film catastrophe, embraie  sur la quête initiatique de quelques pré-ados .Aux débuts des années 80 ,une fille et quatre garçons s’apprêtent à tourner leur propre film à l’aide d’une caméra Super 8.

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Mais le scénario, perturbé par l’accident ferroviaire,s’en nourrit ( bravo les kids !) et prend une toute autre direction via le fantastique et l’horreur.Que les fans de ces genres cinématographiques ne se précipitent pas, l’ensemble se fait  à petite échelle .Comme si le scénariste J.J. Abrams, qui à ma connaissance signe là son premier long-métrage, nous initiait à la pratique des morts-vivants et des méchantes créatures, aussi laides qu’adipeuses.

C’est bien sûr l’une d’entre elles qui échappée d’un wagon sème la panique dans la petite ville de nos ados.Une cité tout à fait conforme au cinéma de papa Spielberg, bien propette et consciencieuse d’une Amérique si profonde que l’armée dépêchée sur place, ne daigne même pas communiquer avec les autorités locales.

Deux pères élèvent seuls, leur progéniture (Joel Courtney et Elle Fanning),au milieu du chaos

Le genre d’antagonisme qui m’amuse, car bien que tournant très vite en rond, j’ai pris un certain plaisir estival à suivre les déambulations de ces gamins campés par, qui sait, de futurs grands acteurs.

En tête Joel Courtney et Elle Fanning ( déjà formidable dans « Somewhere » de Sofia Coppola) les deux petits amoureux de cette aventure que le cinéaste filme avec l’aisance d’un vieux routard.Ce qui retarde l’ennuie d’un scénario ficelé grossièrement,dans lequel on n’évitera pas un final apocalyptique, tellement long avec tellement d’effets spéciaux, qu’il en devient spécieux.

On ne sait plus alors trop qui fait quoi, mais quelque chose me dit que la réponse est peut-être dans le générique de fin.Cette fois j’ai vraiment rigolé de bon cœur.Le Super 8 n’est donc pas mort…

LES BONUS

• Le rêve derrière super 8

Les souvenirs d’enfance du réalisateur qui dès l’âge de huit ans attaque ses premiers films en Super 8. A l’adolescence, il s’entoure d’une équipe de copains dont la plupart participent aujourd’hui à «  Super 8 », comme Larry Fong , le directeur de la photo. Il y a donc une grosse part autobiographique dans ce film.

On peut voir par ailleurs quelques rushs des essais des années de l’enfance. C’est plutôt sympathique.

Au milieu de quelques scènes de tournage, l’apport de Steven Spielberg est souligné par plusieurs intervenants, notamment autour de «  Rencontre du 3^ème type » auquel «  Super 8 » fait parfois référence. «  Il était notre mentor, sans le savoir ».J.J. Abrams raconte aussi comment il avait monter un festival Super 8. Spielberg lisant un article sur le sujet lui avait alors demandé s’il pouvait visionner ses films «  qui sont  dans un sale état » précisait le papa de E.T. «  afin de pouvoir les restaurer ». Aujourd’hui encore Abrams en est encore tout surpris.

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C’est déjà toute une ambiance , que le rock’n roll naissant allume de ses premiers tubes , même si John (Paul Le Mat )  estime que depuis la mort de Buddy Holly le rock a perdu son éclat. Avec ses copains, il fait donc la causette aux filles de son jeune âge, qui s’en laissent compter, l’air de ne pas comprendre. Rien que l’air…

Et ça dure comme ça pendant près de deux heures, sans véritable histoire, mais plutôt   des saynètes sympas, souvent très drôles, comme celles de l’épicerie ou de la voiture des flics.

La patte du réalisateur fait le reste. C’est son deuxième film seulement, mais déjà le coup d’œil est plus que professionnel sur ces années soixante, insouciantes, qui ne connaissent pas encore le Vietnam et les ravages de la drogue.  C’est le bonheur de vivre, la fureur aussi que Lucas  nous rappelle avec un petit clin d’œil au film de Nicholas Ray, et sa fameuse course de voitures. Je pense également que le personnage de la gamine, dont personne ne veut, renvoie à celui de la jeune fille de  « West side story» qui tente de s’incruster dans la bande de garçons.

En nous rejouant, ses années d’adolescent, George Lucas, esquisse ainsi joyeusement   le portrait d’une Amérique drôle et chaleureuse, portée vers sa jeunesse.Celle de Richard Dreyfuss , Ron Howard , Charles Martin Smith, ( qui joue le merveilleux comptable avec “ Les incorruptibles” ) ou bien encore Harrison Ford, dont le profil peut aujourd’hui fait sourire. A quoi tient la nostalgie ?

LES BONUS

Toute l’histoire du film est rappelée avec ses principaux acteurs, dont George Lucas qui écrivait «  les scènes en fonction de la musique » qu’il écoutait. Une distribution difficile, une production tout aussi particulière, on apprend beaucoup de la part d’un réalisateur qui souhaitait adopter un style documentaire. «  Je voulais du naturel, définissant ensuite le film dans la salle de montage ».

«  Il recherchait les erreurs » confie Charles Martin Smith et «  nous faisait rejouer des scènes pour nous faire trébucher, et c’était toujours celle là qu’il gardait ». Exemples à l’appui et c’est marrant de voir ça.

On assiste également aux essais de plusieurs comédiens. Apparemment ceux qui n’ont pas été retenus sont floutés.

Entremêlant mélodrame enflammé et représentation théâtrale du monde, Michael Powell et Emeric Pressburger conçoivent ainsi  un spectacle total, parabole amère sur la création artistique et ses destins immolés.Mais la souffrance ressentie par l’histoire qui veut qu’une jeune danseuse sacrifie tout à son art ne m’apparaît pas d’une évidence flagrante.

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Il y a beaucoup de fluidité dans le jeu des acteurs, de légèreté aussi qui confine parfois à la caricature. C’est très longtemps un  conte de fée, jusqu’à ce que Boris Lermontov, la méchante sorcière, ne vienne jeter un sort sur les ballerines de l’héroïne. Elle devra danser jusqu’à l’épuisement, la folie, la mort.Ce que l’on voit à peine sur l’écran, et la tension qui s’en dégage alors n’atteint pas des voltages exagérés.

Pour la passion, l’exaltation, il faut attendre la confrontation entre ces deux hommes qui se disputent la même femme, l’un par amour, l’autre pour la danse. Moira Shearer , en danseuse étoile ne m’a pas convaincu plus que ça. Elle joue bien, certes, mais son personnage demeure trop en retrait pour insuffler la dynamique du drame qui se prépare.

LES SUPPLEMENTS

. La restauration des « Chaussons rouges » par M. Scorsese (4 mn)

Un petit aperçu du superbe travail numérique réalisé ,avec des exemples avant et après restauration . C’est notamment très frappant sur les problèmes de rétrécissement de la pellicule qui rendaient l’image floue.

. Il était une fois « Les Chaussons rouges » (24 mn)

Ou l’histoire d’un film qui voulait faire oublier les horreurs de la seconde guerre mondiale.Collaborateurs et proches des Archers  ( maison de production créée par les réalisateurs ) en rappellent la genèse et son développement ( les meilleurs danseurs au monde sont sollicités) , et la froideur avec laquelle J. Arthur Rank l’a réceptionné . Ils évoquent aussi l’ immense succès aux États-Unis.

. Rencontre avec Thelma Schoonmaker Powell (7 mn)

Thelma Schoonmaker Powell, veuve de Michael Powell et monteuse de Martin Scorsese, évoque la fascination qu’exerce encore le film aujourd’hui. «  On dirait que les gens voient la vie différemment après l’avoir vu« . Elle est avec le cinéaste , à l’origine de la restauration du film, « provocateur et dérangeant » qu’elle voit pour la première fois à l’âge de 12 ans.

. Ballet flamboyant (32 mn)

Un voyage dans les coulisses des ballets du film, en compagnie de Nicolas Le Riche (Danseur Étoile à l’Opéra national de Paris) et de Mathias Auclair (Conservateur en Chef à la Bibliothèque-musée de l’Opéra). Ils parlent notamment d’un  » témoignage fort sur ce qu’était la danse à cette époque », et du répertoire des Ballets Russes , ici largement emprunté . Le ballet Lermontov du film s’en inspire aussi beaucoup .

 Prix de vente public conseillé : € 19.99

A l’origine, c’est une comédie musicale créée en 1957 à Broadway par Jerome Robbins, avec déjà la célèbre musique de Leonard Bernstein et Arthur Laurents. Devant le succès, Robbins en fait un film (il s’occupe de la chorégraphie), et Robert Wise le met en scène.

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Je ne sais quel accueil réserva le public de l’époque devant cette histoire éternelle,  de gangs qui ne cessent de s’affronter, pour conserver un bout de trottoir, et grappiller aussi un peu du rêve américain. En toile de fond, la couleur de la peau.

Les Jets, américains issus de familles irlandaises, italiennes et polonaises, ne supportent pas la présence  des Sharks d’origine porto-ricaine. Rien depuis dans ce bas-monde n’a donc vraiment changé, si ce n’est l’aspect juvénile des kids de « WSS » qui prête aujourd’hui à sourire.

Russ Tamblyn , en tête, le leader des Jets ne fait pas forcément le poids, mais sur l’ensemble de la performance, ce n’est qu’une broutille .C’est un spectacle total, avec des chorégraphies urbaines, qui entre danse et combat, donnent le rythme et la puissance de cette flamboyante réalisation. Les chansons sont devenues des succès («  Maria », « Tonight », «  I feel pretty »…) et la mise en scène n’arrête pas de se lover dans des décors caméléon.  Il y a à voir ,sans cesse ,et à entendre, toujours, dans ce récit en tension permanente, malmenée jusqu’au point de non retour.

Tony, l’ancien leader des Jets, amoureux de Maria, la soeur de Bernado, le chef  des Sharks, l’union est inconcevable. Elle va  se sceller dans le sang, aussi rouge que les décors qui jusque là illuminaient les nuits de Manhattan. Les beaux yeux de Natalie Wood , si lumineux, vont à leur tour s’éteindre, pour ne plus voir ce lambeau qu’est devenu l’Amérique. Une histoire d’amour avortée.

Les bonus

 Que ce soit les commentaires sur les danses ou les chansons, on apprend encore beaucoup sur la manière dont le film a été conçu. Un spécialiste regrette ainsi que «dans cette comédie, les paroles des chansons sont pleines d’une tentative forcée d’être “ poétique ”, comme “ Tonight” par exemple , alors que si vous prenez des titres comme  “ Jet song”, le langage est raffiné, sans que cela n’ait l’air forcé . Il faut toujours veiller à l’équilibre entre le pouvoir du langage et celui de la musique, pour qu’ils ne soient pas en conflit ».

Reste que « Tonight » est devenue une chanson populaire….

Pour les chorégraphies, il est intéressant de connaître l’ouverture qui avait été retenue à l’époque et travaillé pendant un mois … Des danseuses témoignent aussi de la façon dont elles étaient dirigées sur le plateau.

]]> http://www.lheuredelasortie.com/critique-blu-ray-0211-west-side-story/feed/ 0 http://www.lheuredelasortie.com/critique-dvd-lame-de-fond/ http://www.lheuredelasortie.com/critique-dvd-lame-de-fond/#comments Tue, 27 Sep 2011 23:09:33 +0000 Loïck Gicquel http://www.lheuredelasortie.com/?p=25671  Depuis sa plus tendre enfance, Ann Hamilton pianote cette prélude de Chopin, (future rengaine gainsbourgienne), qui aujourd’hui chagrine le cœur de son jeune époux. Elle ignore encore pourquoi, mais ses réactions sont parfois étranges. Et en réalité, elle ne connaît pas grand-chose de ce célèbre inventeur rencontré chez son père.

Le coup de foudre passé, la voici confrontée à quelques peurs irrationnelles, qui au fil des indices deviendront des certitudes : son mari n’est pas forcément l’homme qu’elle a épousé.

C’est une bonne idée de scénario, qui depuis a fait des émules,  sans jeter le moindre discrédit sur le film de Vincente Minnelli. Il est beaucoup trop poussif côté écriture, pour rivaliser avec qui que ce soit. Le temps n’est peut-être pas non plus étranger à cette faiblesse scénaristique, qui émerge d’un ensemble pour lequel Jean Douchet ( bonus)  éminent spécialiste du cinéma, pense beaucoup de bien.

Si je n’ai pas vu tout ce qu’il relève autour de la mise en scène et du travail sur l’ombre et la lumière, je lui laisse volontiers ses certitudes, face à une incompréhension polie autour d’un film qui ne me semble pas être une œuvre majeure du cinéaste. La direction d’acteurs, surlignée comme il était de bon ton à l’époque,confirme une Katharine Hepburn , au mieux de sa forme , tandis que dans un rôle secondaire, ( quelques plans seulement ) Robert Mitchum, , annonce déjà le grand comédien des années 50-60. En attendant, il doit laisser la place à Robert Taylor, l’époux de la dame, au passé chargé de lourds secrets. Petit à petit, le masque va tomber, et l’homme se révéler tout autre. Mais ça, on le savait depuis belle lurette et après en avoir pris connaissance, il faut encore patienter de longues minutes pour que le faux suspense libère toute son énergie.

Richard Taylor, Katherine Hepburn

Cela se fait par l’entremise de deux interminables dialogues. Vraiment interminables …

LE BONUS  ( 13 mn )

Jean Douchet présente le film à travers un portrait du réalisateur «  en avance sur son temps. Ce qu’il veut dire, et transmettre au spectateur, il le fait  uniquement par la mise en scène. C’est encore très moderne, aujourd’hui ».

Il évoque aussi plusieurs constantes chez Minnelli comme le jeu d’acteur, le rôle de la famille «  à l’image de la société », l’utilisation du noir et blanc «  un génie, en la matière » …

Il reconnaît malgré tout une intrigue un peu lourde.

Oliver Stone, scénariste, n’a pas toujours fait dans la dentelle et son lyrisme fut parfois délirant, voire outrancier. On dit que c’est l’un des films de gangsters les plus influents de tous les temps. C’est possible et les emprunts ne manquent pas à l’image de  «  Kill Bill »  sur la scène finale de «  Scarface » devenue culte. D’autres séquences s’affichent aujourd’hui dans le panthéon du cinéma (la salle de bain et la tronçonneuse, le mitraillage dans la boîte de nuit…) et des répliques également.

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Un peu à l’image de notre héros (effet de mimétisme ?) dont le parcours est raconté de façon très singulière. Et c’est là, l’une des plus grande réussite de ce film : son scénario, qui prenant prétexte de la mort de l’intéressé, dépêche un de ses  journalistes, afin d’enquêter sur l’homme.Notre Rouletabille rencontre  toutes les personnes qui ont pu approcher Kane de près ou de loin, et  découvre la vraie personnalité de ce milliardaire hors du commun…

D’incessants flash-back jalonnent alors le récit ,et le mystère des dernières paroles du défunt, renforcent les balises d’un itinéraire peu commun .On doit cette belle écriture à Herman J. Mankiewicz, sur laquelle le réalisateur Orson Welles , conduit l’acteur avec une énergie débordante.Pour conter les aventures extraordinaires d’un gamin d’origine modeste , et dont l’héritage maternel va le rendre aussi puissant qu’abject .

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Dans la réalité, William  Hearst, alors grand patron de presse se sent particulièrement visé, et fait tout pour interdire le film.Ce qui rajoute une auréole au chef d’œuvre annoncé.Peut-être aussi pour son image si  particulière (parlait-on alors de cadre ?) et sa composition quasiment millimétrée.Je pense aux portraits des amis de Kane au début de son ascension vers la gloire, ou à ceux de sa première épouse, en  « photos »  illustrant l’étiolement de leurs relations…Ce n’est pas seulement très beau, mais c’est aussi une narration à part entière, à l’instar des décors gigantesques, dans lesquels tout homme un jour ou l’autre réussit à se perdre.

L’illustration parfaite de la toute puissance d’un homme, qui sur l’autre versant, se retrouve rapetissé dans une chambre conjugale, en proie à la colère d’une séparation.

Depuis, plus d’un cinéaste s’est un jour ou l’autre inspiré de ce film.Je me demande alors dans quelle mesure un comédien comme  Marlon Brando , n’a pas étudié les différentes postures d’Orson Welles, interprétant le personnage de Mr  Kane, prisonnier mégalomane ,d’une paranoïa tout aussi maladive. Du « Parrain » au colonel Kurtz de «  Apocalypse now », quelques similitudes peuvent apparaître.

Mais c’est une autre histoire, un autre chef d’œuvre.

 A noter

Ce film s’ inscrit dans la Collection « Classiques de poche RKO » – 12ème vague !  Avec également « Pris au piège » de Edward Dmytryk, « Un mariage compliqué (Holiday Affair) » avec Robert Mitchum, et Janet Leigh ,   « Nid d’espions » (The Fallen Sparrow), avec John Garfield et Maureen O’Hara, « La Femme aux revolvers » (Montana Belle), avec Jane Russel et « Love Affair » (Elle et lui),  de Leo McCarey .

C’est l’un des derniers grands films,de ce réalisateur dont la carrière sera  brutalement interrompue par la Chasse aux sorcières lancée contre Hollywood. Pouvait-on alors lui reprocher d’avoir montré du doigt le malaise et le sentiment de culpabilité dans la société américaine de 1945 ? Ce faisant Dmytryk exposait tout aussi brutalement la dualité française de la résistance et de la collaboration à l’heure des comptes,alors que la seconde guerre mondiale s’achevait à peine.

Il s’en nourrit pleinement pour imaginer entre la France, la Suisse et Buenos Aires, la traque du responsable de l’assassinat d’une cinquantaine de personnes, dont la femme d’un aviateur canadien.Anéanti par la douleur, celui-ci se lance à corps perdu dans sa nouvelle mission, au point de mettre en péril, sa vie et celle de ceux qui pourraient lui venir en aide.

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A cet instant, le film noir commence réellement. Car notre héros, aveuglé par son désir de vengeance, croit tout comprendre avant même son arrivée à Buenos Aires.Le piège qui se referme alors, c’est celui que lui tend un réalisateur espiègle et complice du  scénario de John Paxton  qui tisse les fils d’une énigme dans laquelle on peut se perdre tout aussi aisément.

En tout cas, ce fut mon cas,et plus d’une fois ,sur un plan serré jouant sur les ombres et les bruits extérieurs, ou devant le visage impavide d’un valet de chambre bien mystérieux, je ne savais plus quoi penser .Les amis d’hier n’ont-ils pas changé de camp, et ces nouvelles fréquentations, sont-elles aussi dangereuses que l’histoire veut bien le dire ?

Dick Powell se méfie beaucoup de l'insaisissable Walter Slezak

Les questions fusent et le factotum de service, ne fait rien pour dissiper les doutes .Il s’appelle Melchior Incza (Walter Slezak) l’intermédiaire suspect, qui conduit  notre héros au cœur du système installé par les nazis et  collabos, dans les pays d’Amérique du Sud, après la chute du pouvoir hitlérien.

Un sujet que le cinéma a plusieurs fois évoqué ( voir par exemple « Ces garçons qui venaient du Brésil » de Franklin J. Schaffner »)  et que Dmytryk ne fait ici qu’effleurer au cours d’une réception avant tout destinée à lancer les premières escarmouches.On y joue à fleuret moucheté, les  véritables personnalités demeurant dans l’ombre.Et si l’une d’elle décline son identité, on ne la croit guère.

Le jeu des miroirs, que les cinéastes aiment tant

Ainsi quand Gerard ,campé à la perfection par Dick Powell,interroge le fameux Incza qui lui colle aux basques et lui promet de le conduire à l’assassin de sa femme, celui-ci à la moue des grands jours.Français ou Allemands ? “Je suis un gastronome, dit-il. Mon sang est un mélange de nombreux et excellents vins européens ».

Une réplique inscrite dans un scénario savamment élaboré : les dialogues souvent percutants, analysent  à plusieurs reprises, les tenants et les aboutissant de l’immédiate après-guerre et la valeur des comportements humains.

Selon  Dmytryk, le doute n’est pas permis : les salauds ont encore de beaux jours à vivre.

A noter

Ce film s’ inscrit dans la Collection « Classiques de poche RKO » – 12ème vague !  Avec également « Citizen Kane » de Orson Welles, « Un mariage compliqué (Holiday Affair) » avec Robert Mitchum, et Janet Leigh ,   « Nid d’espions » (The Fallen Sparrow), avec John Garfield et Maureen O’Hara, « La Femme aux revolvers » (Montana Belle), avec Jane Russel et « Love Affair » (Elle et lui),  de Leo McCarey